Je mehr Filme er dreht, desto offensichtlicher wird es: Das Werk Tarantinos und ich werden in diesem Leben wohl keine engen Freunde mehr. Damals, mit sechzehn oder siebzehn, konnten mich RESERVOIR DOGS und PULP FICTION noch nach durch-zechten Nächte zum Frühstück unterhalten, und KILL BILL auf der großen Leinwand ließ mich etwas später nicht bereuen, für die beiden Tickets einen völlig überteuerten Preis bezahlt zu haben. Sämtliche Folgewerke Tarantinos habe ich mir zwar noch nachge-schaut, teilweise aber erst Jahre nach ihrer Erstveröffentlichung, und meist nicht freiwillig, sondern weil sie irgendwo irgendwie immer irgendwann zufällig liefen, wo ich ebenfalls zufällig zugegen war. Auch in den Genuss von THE HATEFUL EIGHT, immerhin bereits Ende 2015 erschienen, bin ich die letzten Tage erst gekommen, und obwohl ich nicht behaupten kann, das Gefühl verschwendeter Lebenszeit zu haben, wenn ich an die knapp drei Stunden zurückdenke, die mich der Monumentalwes-tern gekostet hat, so habe ich jedoch auch nicht das Gefühl, dass der Film mich in irgendeiner Weise bereichert hätte.
Tarantino tut das, was er immer tut: Auf dem Gerüst eines eher für seine Schauwerte denn für seine komplexen Inhalte bekannten Genres – erneut ist es, wie schon in DJANGO UNCHAINED, das des Westerns – wird ein Babelsturm aus weitschweifigen Dialogen zwischen Figuren errichtet, die noch jedes Knarren des Holzdielenbodens verbal kommentieren müssen, und, nebenbei, unnötig umständlich und verschachtelt eine eigentlich recht konventionelle Geschichte um ewige Themen wie Rache, Liebe und Gier erzählt. Weshalb der Film nun wirklich über hundertsechzig Minuten dauern muss, und weshalb Tarantino, wenn er schon in 70mm filmt, das opulente Breitbandformat hauptsächlich dazu nutzt, das wenig impressive Interieur einer handelsüblichen Holzhütte zu erkunden, und weshalb jeder seiner Filme in einer sinnlosen Gewaltorgie münden muss, deren zerplatzende Köpfe und Blutfontänen nun wirklich weit selbstzweckhafter sind als alle Gräueltaten, die Fulci-Zombies jemals verübt haben, zu-sammengenommen, darüber können die Fanboys und Filmhistoriker sicher lang und breit einen Disput führen, den ich höchstwahrscheinlicher interessanter finden werde als die spartanische, kammerspielartige Inszenierung zwischen Hitchcocks ROPE und Polanskis GOD OF CARNAGE, die fehlende visuelle Höhepunkte entweder, im Mittelteil, durch unerträglich langatmige Monologe ausnahmslos unsympathischer Figuren oder, im Finale, die Gewaltexzesse derselben auszugleichen versucht. Schauspielerisch bekommt man wie gewohnt solide Ware, und dass Morricone tatsächlich nochmal einen Western vertont, ist natürlich ein süßer Schachzug, und manche Idee, manches Motiv wie beispielweise der fiktive Lincoln-Brief, mit dem sich der einzige afroamerikanische Charakter das Vertrauen seiner weißen Mitmenschen „erschwindelt“, ist schon recht intelligent ersonnen, trotzdem, unterm Strich hatte ich beim Abspann den Eindruck, gerade ein Remake von RESERVOIR DOGS im Westerngewand von jemandem nacherzählt bekommen zu haben, dem es weniger darum geht, mir die charakteristischen Züge der Fabel mitzuteilen, sondern sich in tausend Nebenschauplätzen verliert, weil dieser Jemand es vor allen andern Dingen liebt, sich selbst reden zu hören.
Ein kreativer Einfall Tarantinos fasst die Probleme, die ich inzwischen mit seinem Kino habe, bestens zusammen: An einer Stelle des Films okkupiert die Stimme des Meisters selbst die Tonspur, um als Erzähler zu fungieren, der spielerisch mit den Zeitebenen jongliert, wahlweise in die Gedanken seiner Protagonisten abtaucht und uns auf spezifische, für den weiteren Handlungsverlauf wichtige Details hinweist. Per se mag das eine witzige Sache sein, wenn ein Regisseur sich derart gottgleich in die Diegese selbst einmischt, und ein bisschen postmodern die Konventionen herumrollt, die Frage ist eben nur, was man aus solch einem metareflexiven Eingriff macht, und was nicht. Wenn Godard sich am Ende von BANDE À PART – ein Film, den Tarantino so sehr mag, dass er sogar seine eigene Produktionsfirma nach ihm benannt hat – hören lässt, und in wenigen, kurzen Sätzen die abenteuerliche Liebesgeschichte von Odile und Franz zu einem Ausklang bringt, als sei sie ein billiger Kriminalroman, nur um uns dann zu versprechen, in seinem nächsten Film würde er zeigen, was unsere Helden in Afrika und sonst wo noch für spannende Sachen erleben, dann ist das selbstironisch, subtil subversiv und irgendwie auch ziemlich rührend. Das Zauberwort lautet in diesem Fall Sprachökonomie. Godard weiß, dass weniger oft mehr ist, und belässt es bei drei, vier Sätzen, die einen be-stimmten Zweck haben, und diesen gut genug erfüllen, dass ich nur an die letzte Minute von BANDE À PART denken muss, und schon habe ich ein breites Grinsen im Gesicht. Diese Sprachökonomie fehlt, wie mir immer klarer wird, Tarantino gänzlich. Hat er das Bedürfnis, etwas zu verstecken, weil er seine Figuren – und sich, wie in vorliegendem Film, selbst! – so viel plappern lässt? Man kann ganze Filme totreden, und so laut quasseln, dass der Projektor sein eigenes Rattern nicht mehr hört. Wenn Tarantino aus dem Off zu uns spricht, dann erkenne ich darin keinen anderen Zweck, keinen Vorteil für die Handlung, keinen Meta-Gestus, sondern vielmehr so etwas wie den verzweifelten Versuch, der Stille ja nicht genug Raum zu geben. Würden Tarantinos Dialoge wenigstens, wie die von Truffaut, auf ungezwungene Art zwischenmenschliche Beziehungen ausloten, oder wenigstens, wie die von Rohmer, das große Ganze in Form philosophisch-moralischer Debatten ins Boot holen, oder wenigstens, wie das genannte Beispiel von Godard, komisch genug, dass es mir vorkommen könnte, als nehme sich da jemand selbst auf die Schippe – dann, möglicherweise, wären sie möglicherweise gar nicht darauf angewiesen, derart maßlos und ziellos nach allen Seiten hin auszuufern.
